Argentina

10/14/2016
Jewelers’Werk Galerie, Washington, DC, USA - In English / En Español

Jorge Castañón is a significant jeweler in Argentina. He has developed his work both as a jeweler and as a craft master, springing from a traditional craftsmanship approach to contemporary jewelry. In 1990 he founded the workshop Taller La Nave in Buenos Aires—a space devoted to jewelry and dedicated to sharing knowledge, alternative experimentation, and development of personal artistic language—which has become a national reference as a collective workshop and experience. He also developed an intense teaching activity in art degrees, jewelry schools, and workshops.

Lately, his work has received a lot of international attention: It was selected in 2011 and 2015 for Schmuck, and, following the 2015 edition, three of his pieces were added to the Pinakothek der Moderne collection.

AJF caught up with the artist a few days after his opening at Jewelers’Werk Galerie.

Alicia Giráldez: You first studied biology, while training in jewelry and other disciplines, such as chiseling or sculpture. Could you tell us about the connection between those initial interests and your present work? Would you say there is any kind of link?

Jorge Castañón: In science and in jewelry I found a common factor that could be defined as a deep desire to explore and communicate. Jewelry eventually got the advantage and for me it became a space where I was able to create freely and rethink in a loud voice the kind of world I would like to help build.

At a certain point you changed from working mainly in metal to working in wood. Tell me about the emotional process you underwent after reading Alice in Wonderland, a process that made you say, “And then I felt a desperate need to make a kind of burrow” and led you to make Las Madrigueras, your first pieces in wood. Why was it an important shift for you?

Jorge Castañón: Even I was deeply surprised by the change. I had some smallish bits of wood; I had collected some by myself, others had been given to me as a present, as a curiosity or an oddity, and I had never used them in my jewelry. Up to that moment I had spent a long time experimenting with different metal techniques and combinations; it had then seemed the right path to follow.

But just a few days before the opening of the exhibition, Alicia…, I began to have the uncomfortable feeling that the job was not finished yet, that there was something missing, one last piece. I quickly realized that the answer was not on my jewelry bench, nor at the side or at the back, for that matter. I found my case full of wooden pieces and chose three small bits: a slice of itin, a very hard Argentinian wood I had been given by Alejandra Agustí, one of my students; a piece of eucalyptus collected in Uruguay; and a piece of ebony discarded by a luthier.

I started building those burrows that defined an inner space, a dark background with no visible end, where doubt itself, and the not-knowing-how-to-go-on, could be lodged.

A few days later, I understood I would never use metal as a main material again. The change and experience undergone with these three little pieces of wood were a point of no return.

What were the characteristics of wood that interested you then, either technically, emotionally, or conceptually?

Jorge Castañón: Technically, I gradually became a mixture of jeweler and carpenter. I had to rethink connections, mechanisms, assembly resources, and again there was a space for scientific curiosity. In general, the relationship with all senses, especially touch, was astonishing, very instinctive, somehow animal and primitive. Wood helped me to put heart and soul well before brains—although brains are always present.

After that radical change that somehow “happened,” provoked by Lewis Carol, what did you discover in Las Madrigueras that seduced you so much? Did you accept the path it opened without hesitation?

Jorge Castañón: I discovered the path that always contains more uncertainties than assurances, the place where you learn more from mistakes than from early success. I felt it was the new way to follow through my whole person.

Your material aesthetics suggest a low-tech kind of process. How does your work develop on the bench? Do you have in mind a previous idea, a story or feeling you would like to convey from the start?

Jorge Castañón: I don’t work just in one way; I always have a notebook with me to write down the ideas or draw the images that may spring up at any moment. Meanwhile, there are decisions I have already reached regarding my narrative and my poetry, lots of bowls that may host new presences.

In your metal work you have always been concerned with experimenting with color, changing the surface appearance. What is your approach to color in your wood pieces, and how do you think it adds to the expressive strength of the piece?

Jorge Castañón: Most of the colors present in the pieces are original, be it the natural color of the wood or the color it was when found. For the moment, I am adding two basic colors, an intense yellow, which is my favorite color, and red. I use them depending on what I am feeling and when I think they add something.

When asked about the wood fragments you gather, you say you feel the need to rescue certain objects to give them a second life, to give them voice, to rewrite a story. What do these fragments evoke that makes you select them from among thousands of others? What in them “talks” to you?

Jorge Castañón: They talk about my deep belief that man must desperately work to create his own decisive “second opportunity.” I am constantly referring to us and to our adult unawareness, to the urgent need to grow up sooner rather than later.

A short while ago, at the age of 90, David Attenborough, a British naturalist I admire and respect, said something extremely accurate about the time we are living in: “We live in a finite world. To think that in this finite world, resources are infinite, can come from only two kinds of people, either the completely crazy or an economist!”

Back to fragments: I think many of them choose me.

Your entire aesthetical universe—rescued wooden fragments, precarious containers with delicate colors, quiet and natural pieces—evokes a kind of nostalgic atmosphere and suggests a connection to the universal theme “tempus fugit.” What do these fragile, empty, hidden spaces represent to you?

Jorge Castañón: No doubt I feel that finitude. My father died unexpectedly. It was the fastest schooling I have ever experienced in my life, as in that children’s game in which we appear and disappear endlessly until the game crashes with the reality of death.

The bowls, the spaces, were my reaction when I was asked to speak about abundance; then I understood that I wanted to speak about what was missing, about void, not about what is left over. There are many people in need in this world, with basic, essential needs: empty voids, places to lodge their questions, their “why?”

Your pieces are named after feelings such as Emptiness, Fragile, and Illusion. Is it your intention to make these feelings tangible, solid, present?

Jorge Castañón: I think so, I stand before my finished pieces and I am aware the title is not a minor issue. It verbalizes a feeling.

There are two works I’d like to ask you more specifically about: Number, in which a very legible label stands in strong contrast to the poetry of the piece, and How Much Does Absence Weigh?. Both of them refer to something absent, but in very different ways…

Jorge Castañón: In Number, the label is the fact that smashes the hope of this world to be able to change, the harshness of the reality that somehow we all cruelly become a number, as in our passport, for instance. I found the label at the exit of an industrial mill.

How Much Does Absence Weigh? is a very heartfelt piece. It could be said I made it while I was processing the pain of having lost a dear friend. It is the unbearable lightness of being, as Milan Kundera said.

What are the new personal elements in the work that is lying on your bench today?

Jorge Castañón: Right now my workshop is full of boxes and containers filled with things I wade through again and again, maybe with the expectation that one of them will call to me, send me a signal.

Could you describe an image that has had a significant impact on you recently? A fact or piece of news in the world we are living in nowadays that has impressed you especially?

Jorge Castañón: No doubt the image that most impacts these days is the image of thousands of immigrants looking for new horizons, escaping to any possible place to find that new opportunity of living in dignity, risking their own lives.

Work in the exhibition ranges in price from $400 to $1400

Kindly translated from Spanish by Alicia Giráldez

INDEX IMAGE: Jorge Castañón, Color, 2014, ring, toronja (grapefruit) wood,  lapis lazuli, avocado pit, turmeric, nazarene, 40 x 60 x 40 mm, photo: Damián Wasser

En Español

Jorge Castañón: Gestos, Reparaciones y otras Emergencias

Jorge Castañón es actualmente un joyero argentino de obligada referencia, con una doble trayectoria como maestro del oficio y como joyero individual, que se ha deslizado desde un planteamiento más tradicional del oficio al ámbito experimental de la joyería contemporánea.

En 1990 fundó el Taller “La Nave” en Buenos Aires: un espacio dedicado a la joyería, basado en la necesidad de compartir conocimientos técnicos, experimentación alternativa y búsqueda del propio lenguaje artístico y que se ha convertido en una referencia importante como taller colectivo y experimental. También desarrolla una intensa actividad formativa impartiendo talleres y ponencias en estudios artísticos y escuelas de joyería.

Recientemente su trabajo ha recibido una creciente atención internacional: en 2011 y 2015 fue seleccionado para Schmuck y después de la edición 2015 tres de sus piezas fueron incorporadas a la colección de Pinakotheck Der Moderne.

AJF charla con él pocos días después de la inauguración de su exposición en Jewelerswerk en Washington.

Alicia Giráldez: Mientras estudiabas Ciencias Biológicas iniciaste tu formación en joyería y en otras disciplinas como escultura y cincelado. ¿Nos podrías comentar la conexión entre aquellos intereses iniciales y tu trabajo actual? ¿En qué aspectos existe continuidad?

Jorge Castañón: Tanto en la ciencia como en la joyería hubo un denominador común que podría sintetizarse en el deseo profundo de investigar y comunicar. La joyería triunfó finalmente en el transcurso de los años y se convirtió en un espacio de creación en libertad y de poder reflexionar en voz alta sobre qué clase de mundo quiero ayudar a construir.

En cierto momento, pasaste de realizar tus piezas principalmente en metal a utilizar la madera como material protagonista. Cuéntanos un poco el proceso emocional que después de leer “Alicia en el país de las Maravillas” te hizo exclamar: “¡Y entonces sentí una necesidad desesperada de hacer algún tipo de madriguera!” y que te llevo a realizar “Las Madrigueras”, tus primeras piezas en madera. ¿Qué significó este cambio para ti?

Jorge Castañón: Ese cambio fue hasta sorpresivo para mí. Tenía algunos pedazos de madera no muy grandes, algunos recolectados, y otros que había recibido de regalo, como curiosidad, y que nunca había utilizado en mi joyería. Había experimentado mucho tiempo con técnicas y combinaciones de metales, en aquel momento parecía que ese era el camino acertado.

Pero faltando pocos días para la inauguración de la muestra “Alicia…” comencé a sentir la incomodidad de que no estaba el trabajo terminado, algo faltaba, una pieza. Enseguida me di cuenta de que la solución no estaba encima de mi banco de joyero, ni al costado, ni atrás. Encontré mi caja de maderas y separé tres pequeños pedazos, una rodaja de itín, una madera muy dura de Argentina, que me había regalado Alejandra Agustí, alumna mía; un pedazo de eucalipto recolectado en Uruguay y un trozo de ébano de descarte de un lutier.

Comencé a construir esas madrigueras, que definían un espacio interior, fondo oscuro donde no se veía el final, donde podían habitar la duda, el no entender por dónde seguir.

Lo que recién entendí pasados los días es que no iba a volver a tener como material central al metal, que el cambio y la experiencia con esas tres maderas era casi irreversible.

¿Cuáles fueron las características técnicas, emocionales y/o conceptuales de la madera que te interesaron tanto en aquel momento?

Jorge Castañón: Técnicamente me fui convirtiendo en una mezcla entre joyero y carpintero, tuve que repensar mecanismos de conexión, técnicas de ensamble, todo era nuevamente espacio para la curiosidad científica. La relación con el tacto y con todos los sentidos en general era asombrosa, muy instintiva, primitiva y animal en cierto modo. La Madera me ayudó a que el corazón y el alma se colocaran bien delante del cerebro, pero éste siempre está presente.

Después de ese cambio radical que de algún modo “sucedió” provocado por Lewis Carol, ¿qué fue lo que descubriste en Las Madrigueras que tanto te sedujo? ¿Aceptaste el camino que te abrieron sin dudarlo?

Jorge Castañón: Descubrí el camino que siempre está más lleno de incertidumbres que certezas, el lugar en dónde se aprende mucho más de los errores que de los aciertos tempranos. Toda mi persona sentía que ese era el nuevo camino.

Los materiales que utilizas y la forma de usarlos sugieren un proceso de trabajo tipo bricolaje. ¿Cómo se desarrollan tus piezas en el banco de joyero? ¿Partes desde el principio de una idea, de una historia o de un sentimiento previos que quieres expresar?

Jorge Castañón: No tengo una sola forma de trabajar. Llevo siempre conmigo una libreta para apuntar ideas o dibujar imágenes que puedan aflorar en cualquier momento. Tengo ya decisiones que fui tomando con respecto a mi narrativa, a mi poesía, muchos cuencos que dan posibilidad a nuevas presencias.

En tu trabajo en metal siempre has sentido una especial preocupación por experimentar con el color y por cambiar el aspecto final de las superficies. ¿Cómo te planteas el uso del color en las piezas de madera y qué crees que aporta a la fuerza expresiva de la pieza?

Jorge Castañón: La mayoría de los colores presentes en las piezas son de origen, ya sea por el color original de la madera o por el color que tenía al encontrarla. Por ahora agrego dos colores fundamentales. El primero es el amarillo intenso, mi color preferido, y el otro es el rojo, los uso según sienta la necesidad y si creo que van a aportar.

Cuando te preguntan sobre los fragmentos de madera que recoges, comentas que sientes la necesidad de rescatar ciertos objetos y darles una segunda vida, una voz, de reescribir una historia. ¿Qué es lo que te evocan y te lleva a seleccionar esos fragmentos concretamente entre cientos de otros? ¿De qué te hablan?

Jorge Castañón: Me hablan de la profunda creencia que tengo de que el hombre debe trabajar de manera desesperada para crear su segunda y decisiva “segunda oportunidad”, a él estoy haciendo referencia todo el tiempo, a nosotros y a nuestra inconciencia de adultos, a que debemos crecer más temprano que tarde.

David Attenborough, un naturalista inglés que admiro y respeto, con sus 90 años dijo hace poco algo muy real para este tiempo, “Vivimos en un mundo finito. Creer que, en este mundo finito, el recurso es infinito, corresponde a dos categorías de personas, una a que esté totalmente loca y la otra a ¡un economista!”

Volviendo a esos fragmentos, creo que muchos de ellos me eligen a mí.

El universo poético y estético en el que te mueves -fragmentos de madera rescatados, contenedores precarios de colores delicados, pedazos naturales y tranquilos- sugiere una cierta atmósfera nostálgica relacionada con el tema universal “Tempus fugit”. ¿Qué significado tienen para ti esos pequeños y ocultos espacios vacíos?

Jorge Castañón: Sin duda que siento esa finitud. Mi padre murió de manera súbita. Es el aprendizaje más veloz que tuve en mi vida. Como en ese juego de niño en donde desaparecemos y aparecemos, infinitas veces, hasta que el juego choca con la realidad de la muerte.

Los cuencos, los espacios, son la reacción que tuve cuando me pidieron que hablara de la abundancia, entonces comprendí que quería hablar de lo que falta, del vacío, no de lo que sobra. Hay mucha gente en este mundo en estado de necesidad, necesidades esenciales, vacíos sin llenar, lugares dónde poner sus preguntas, sus por qué.

Titulas muchas de tus piezas con nombres de sentimientos como Vacío, Fragilidad, Ilusión. ¿Es para hacerlos tangibles, presentes?

Jorge Castañón: Creo que sí. Me pongo delante de las piezas terminadas, y siento que su título no es un tema menor. Verbaliza un sentimiento.

Me gustaría que me explicaras un poco más sobre dos piezas concretas: Número, en el que la etiqueta numerada establece un fuerte contraste con la poesía de la pieza, y Cuánto pesa la ausencia. Las dos hacen referencia a la ausencia de forma distinta…

Jorge Castañón: En “Número”, la etiqueta es la parte que golpea a la ilusión de ese mundo a cambiar, la crudeza de que todos de una manera u otra, cruelmente nos convertimos en un número, con nuestro pasaporte, por ejemplo. La etiqueta la encontré a la salida de una fábrica.

“Cuánto pesa la ausencia”, es una pieza muy sentida por mí, se podría decir que la fui haciendo mientras procesaba el dolor de perder una querida amiga. Es la insoportable levedad del ser, como decía Milan Kundera.

¿Nos podrías descubrir algunos de los nuevos elementos personales que estas barajando en las piezas que actualmente te esperan en tu banco de trabajo?

Jorge Castañón: A esta altura, mi taller está lleno de cajas y recipientes con cosas que camino una y otra vez, tal vez esperando que alguna me llame, me dé una señal.

¿Me podrías describir una imagen que te haya impactado recientemente? ¿Un hecho o noticia del mundo actual en el que vivimos que te haya impresionado de modo especial?

Jorge Castañón: La imagen de estos tiempos que impacta sin ninguna duda es la que involucra a miles y miles de inmigrantes que buscan nuevos horizontes, escapando a todos los lugares posibles para poder tener esa nueva oportunidad de vida con dignidad, arriesgando sus propias vidas.

Alicia Giráldez

After working with painting, engraving, and ceramics for some years, Alicia Giráldez first dove into jewelry at Toronto Crafts School, mainly to fight off extreme cold, as she says. Back in Barcelona, Spain, where she lives, she continued her training at the Massana School Open Workshop, directed by Ramón Puig Cuyàs. In 2007 she opened Taller Perill, a space in Barcelona dedicated to jewelry classes, workshops, and projects with an experimental and artistic approach. Since 2008 she has been a member of the group Joyas Sensacionales, coordinated by Silvia Walz at Taller Perill.

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